jueves, 2 de diciembre de 2010

¿Qué es el arte?




Esa es una buena pregunta, y es una buena pregunta porque no es fácil responderla, aunque quizás otros interpreten que precisamente por eso no es una buena pregunta.
No es fácil responderla porque de entrada, la palabra arte tiene muchos significados diferentes, que pueden ir desde el arte entendido en el sentido de técnica, esto es, de dominio de la materia, hasta el arte entendido como expresión de la belleza, de la creatividad humana, etc. Además, y mucho más hoy en día, que algo sea arte o no, es en gran medida algo subjetivo, ya que unas personas juzgaran que algo es arte, y otras probablemente no. Yo soy de las personas que ven arte en una mancha de aceite derramada de forma irreflexiva sobre una superficie, o en un papel arrugado, pero otras personas debido a que tienen una visión muy académica o elitista del arte, pues solo consideran arte determinados productos del ser humano.

Aquí os dejo un vídeo bastante interesante.

Así, el arte puede ser considerado como el dominio de una técnica, como puede ser cocinar, tocar un instrumento, o más bien cómo la expresión del espíritu en el esplendor de su espontaneidad e intuición, de forma irreflexiva, simplemente dejándose llevar.

La cuestión es que yo veo arte por donde quiera que vaya. Contemplo la belleza que hay tanto en el mismo universo, como en las creaciones del ser humano. Y es que en ambos casos el abanico es tan amplio: desde un atardecer hermoso hasta un poema incandescente, desde un bonito dibujo hasta la elaboración de una tortilla de patatas.

Lo cierto es que en nuestra sociedad se nos impide y dificulta en gran medida la expresión del arte, sobretodo en las escuelas. A través del arte uno puede encontrarse con su esencia,  con la parte más humana que le constituye, y decubrirse a si mismo a través de sus propias creaciones.  Pero claro, aunque hay muchísimo arte y muchos y muchas artistas en el mundo, en gran proporción falta muchísima expresión artística en el mundo. Pero claro, es que yo tiendo a imaginarme la sociedad como un conjunto de personitas que parecen encajar dentro de una gran maquinaria,  llevados por la urgencia, viviendo en las cáscaras de su existencia, siempre siguiendo unos roles preestablecidos. Y claro, en esta visión tan robótica que tengo de la sociedad, pues considero que falta mucho arte, pero arte en el sentido de espontaneidad.

Aunque claro, si bien es cierto, que la realidad es lo más relativo al sujeto que hay, y eso se hace patente cómo en el momento en que uno se cambia un poco los cristales de la mente, con los cuales interpreta la realidad, la realidad misma cambia.  Y es que últimamente veo arte por todos lados, casi en cada imagen que aparece en mis retinas puedo observar algo de arte. Cuando veo una fila de coches, pienso en la cantidad de siglos de evolución  de la técnica y dominio de la materia han sido necesarios para lograr fabricar dichas maquinarias, y en el hecho mismo del diseño de las máquinas, que también son arte.

La configuración del universo también es arte, con sus leyes universales, con sus elementos materiales, que juntos conforman formas como astros, personas, pajaritos, etc.

Así que yo animo a todo el mundo a desarrollar su espontaneidad y a descubrir su lado más artístico en cada instante de su vida, tanto en la contemplación del arte que hay en cada milímetro del universo, cómo en el que hay en cada poro de nuestro ser. Sugiero que hagamos las cosas con amor,  dejándonos llevar por nuestro corazón, tanto a la hora de cocinar como de hacer el amor. No tengamos miedo a cantar, ni a bailar en  medio de una calle en la que transitan cientos de ejecutivos por minuto.

Hacer esto nos conducirá a la alegría, al autodescubrimiento de nuevas facetas, emociones, capacidades, etc. Y sobre todo, nos llevará a la libertad y autorrealización. 

Amor libre, color y LSD: SUMMER OF LOVE- 40 años después


El arte de la era psicodélica de los años 60 y 70, caracterizado por su mensaje pacifista, brillantes colores y la imaginería derivada de los efectos alucinógenos del LSD, es celebrado en una exposición que abre mañana en Nueva York.
“Summer of Love”, como se titula esta fascinante muestra en el Museo Whitney, evoca, a través de obras de arte y una extensa documentación, el verano de 1967, ese legendario momento en el calendario que destapó el movimiento contracultural hippie.
En ese entonces, el barrio de Haight-Ashbury, en San Francisco, era el enclave de miles de jóvenes de todo el mundo, cuyo espíritu de amor libre se manifestó en la convivencia comunal y la profesión de ideales de libertad en todo aspecto y a través de las artes.
La psicodelia emergió como un actividad de contracultura en medio de un contexto histórico determinante, en el que convergieron la guerra de Vietnam, la guerra fría y el movimiento defensor de los derechos civiles.
Así, artistas, cineastas, músicos, poetas y arquitectos crearon mundos visionarios, utopías que ilustraban su deseo por estilos de vida alternativos al consumismo rampante, una clase media complaciente y una sociedad conservadora.
Esta historia es narrada a través de pinturas, instalaciones, filmes, collages, fotografías, afiches y libros que fueron expuestos originalmente en la galería Tate de Liverpool, donde debutó la muestra.
La instalación en el Whitney recrea ambientaciones psicodélicas mediante proyecciones de filmes de juegos de luces de colores y carteles y pinturas de colores fluorescentes y formas orgánicas inspiradas en el “art nouveau”.

Con diseños obsesivamente detallados, el arte psicodélico es un arte sugestionado por experiencias sensoriales y alteraciones de la percepción inducidas por la música, las luces, la meditación y las drogas alucinógenas.
Divida en las áreas geográficas de Nueva York, San Francisco y Londres, las ciudades donde se cultivó la psicodelia, la muestra incluye desde fotografías del concierto de Woodstock de 1969 hasta la única acuarela pintada por la leyenda del rock Jimi Hendrix.
De Hendrix también se han incluido algunas carátulas de sus discos y varias fotografías, tanto retratos como registros de los conciertos que contaban con proyecciones de los geniales “Joshua Light Shows” -espectáculos de luces- del artista Joshua White.


 
Estos shows se hacían en vivo y con la ayuda de los medios más artesanales, incluidos gelatinas de colores, filtros, transparencias sobre retroproyectores, cristales, líquidos y diapositivas.
Un efecto similar lo provoca la instalación de Yayoi Kusama “Infinity Mirrored Room: Love Forever”, una habitación en la que un techo de luces de colores se proyecta infinitamente en las paredes y el piso cubiertos de espejos.
Una pared de la exposición está cubierta con afiches realizados para eventos del artista pop Andy Warhol y sus amigos de “La Factoría”, Velvet Underground, Ultra Violet y The Chelsea Girls.
Otros carteles sirvieron para otros fines, como la protesta contra la guerra en Vietnam o el anuncio de conciertos de los músicos de la época, Franz Zappa, Janis Joplin y The Greatful Dead, también capturados por la fotógrafa Amalie Rothschild.
Otros retratos de artistas que se incluyen en la exposición son Mick Jagger y The Rolling Stones, así como Allen Ginsberg y Eric Clapton, éste último imponente, de cuerpo entero y fumando un porro en una instantánea del británico Robert Whitaker.
“Eran tiempos maravillosos: excesos, creatividad, diversión, bonitas mujeres, libertad y muchas cosas que hacer”, dijo a Efe Whitaker.
El fotógrafo, de 68 años de edad, es mundialmente conocido por los retratos que realizó de “Los Beatles” entre 1964 y 1966, algunos de los cuales se presentan en esta muestra, así como por sus fotografías de Salvador Dalí tomadas entre 1967 y 1972.
La muestra, que se podrá ver durante el verano, también presenta una plétora de material impreso sobre las comunas hippies, el sexo libre y la reseña de la psicodelia en los medios, manifestada en extensos reportajes de la revista ‘Life’.

PHIL LEWIS: PSICODELIA PURA

Este joven artista ha sentido siempre, a lo largo de su vida, una especial relación con la naturaleza. Estar al aire libre y en contacto con la naturaleza siempre le inspiró a crear. El increíble paisaje de Colorado ha impulsado esta inspiración, y los paisajes circundantes aparecen con frecuencia en su trabajo. Además de dibujar las cosas que le rodea, también le gusta dibujar las cosas que lleva con él. "Imaginar es lo más divertido", dice Phil Lewis.

Últimamente ha venido desarrollando un estilo de arte que combina los dibujos con pluma y el diseño digital. Casi siempre empieza con líneas de trazo negro y, a continuación, los dibujos en color con marcadores Sharpie y Prismacolor. Luego escanea sus dibujos en Photoshop y retoco a pincel algunas de las secciones, agrega sombreado, efectos y ajusta los colores hasta que sean tan "pop" como sea posible. Entonces imprime las imágenes digitales sobre un fino lienzo. Lo que resulta de todo eso es un híbrido dibujo a mano/lienzo digital, que acaba pareciendo un pedazo gigante de caramelo pegado a la pared.

“Estoy realmente agradecido por tener la posibilidad de crear este estilo de arte, y a través de ésta, espero llevar tanto color y luz al mundo como pueda”, apunta Phil Lewis.

Aquí os dejamos un vídeo con más obras de este artista.






Alex Grey: realismo psicodélico y espejos transdimensionales


La pintura psicodélica tiene posiblemente en Alex Grey a su máximo exponente, cumpliendo aquel principio sagrado del arte de ofrecer visiones y conectar al ser humano con el mundo invisible.
El arte de este explorador metafísico y pintor neoyorkino borra el borde entro lo estético y lo espiritual (la belleza es reflejo del alma, decía Platón y un signo de inteligencia, según Andy Warhol) haciendo una geografía de la energía por la que oscila de igual manera entre lo místico y lo médico, la psiconaútica y la sanación. Es también, como ejemplifica su "Chaped of sacred mirrors” un arte-objeto espejo, un aparato de biofeedback transdimensional, en el que el sujeto que percibe puede operar sobre su propio biocampo a través de la experiencia artística.


Alex forma parte de la tradición del arte visionario de pintores como El Bosco, Peter Bruegel, William Blake, Dali, Pavel Tchelitchew, Roberto Venosa y escritores y místicos occidentales como Swedenborg, Erkhart, Boheme, San Juan de la Cruz, Aleister Crowley, Teilhard de Chardin, etc.
Es notable que Alex Grey es especialmente popular con las personas que han tenido experiencias psicodélicas o visiones del cuerpo energético, porque estas personas reconocen en las pinturas lo que han visto y forman una relación de complicidad (y fidelidad resonante) con el arte de Grey. El susurro risueño psicodélico de: "Tu también viste eso".

"Mi trabajo es traer de regresó el sentido de asombro y deleite de la forma más directa posible. De esa forma, el observador contemplativo puede resonar con él y reforzar una experiencia previa que tiene mucho significado". Alex Grey.

Sin duda Alex Grey es parte de la "realeza psicodélica", que incluye a Terence Mckenna, al Dr. Rick Strassman, a Pablo Amaringo, a Douglas Rushkoff, etc. Y a precursorses de la conciencia contracultural como Robert Anton Wilson, Tim Leary, Gordon Wasson, Aldous Huxley. Se trata justamente de abrir las puertas de la percepción (siguiendo la frase de William Blake: "If the doors of perception were cleansed, every thing would apper to man as it is: infinite".
Así relata Alex su primera experiencia el LSD:
"Me sentía un poco mareado y empecé a tener mi primera experiencia psicodélica. Sobresalientemente, mi visión durante toda la experiencia estuvo enfocada en una imagen, un túnel espiral, helicoidal, que iba de la oscuridad hacia la luz. Tenía un color vivo de madreperla, opalescente en el mejor sentido ontogénico. Todo mi trabajo ese año había sido de polaridades, y mi conciencia 'estaba en la oscuridad yendo hacia la luz' en este túnel. Se sentía como el símbolo universal de la interconexión de los opuestos. Sin entender o saber nada de misticismo, este era mi propio despertar espiritual hecho en casa, un canal de renacimiento espiritual. Muy positivo, unificador. Al día siguiente le hable a una amiga que había compartido la botella (con LSD) a preguntarle "cómo fue para ti". Ella dijo que había estado increíble, aunque ya había viajado muchas veces. Le pregunte si nos podíamos juntar esa noche. Nos juntamos y hemos estado juntos desde entonces".


 
Otra de las claras inspiraciones del arte de Alex Grey es la ayahuasca, así como su principio activo, el DMT (especie de tecnología para abrir el tercer ojo y ver el Aleph cósmico dentro de todas las cosas DMTV: Divine Molecule TeleVision). Alex Grey es parte del nuevo y muy esperado documental DMT: The Spirit Molecule.
En su trabajo más reciente Grey ha explorado perspectivas de los seres universales, cuerpos de fuego y remolinos galácticos infinitos. Tal como se puede apreciar en sus trabajos para Tool. 


Aquí os dejamos un vídeo con más de las maravillosas obras de este artista.





Pintura psicodélica


Ahora hablaremos de arte psicodélico. Con arte psicodélico nos referimos  sobre todo al movimiento artístico de la contracultura de los sesenta, aunque después tuvo renacimientos (especialmente en los noventa), retomado por el movimiento Rave y ayudado por las nuevas tecnologías de la computación. Las artes visuales psicodélicas existieron paralelamente a la música psicodélica. Posters de conciertos, portadas de discos, shows de luces, murales, revistas de historietas, periódicos underground y más, reflejaban no sólo los patrones caleidoscópicos de las alucinaciones en LSD sino también sentimientos sociales, políticos y espirituales revolucionarios inspirados por estos estados psicodélicos de conciencia. 








Entre sus características más fundamentales podemos destacar sus colores brillantes y el contraste entre ellos (tanto de color como de brillos), la extrema profundidad de detalles, la mutación de objetos e incluso de personas, la inclusión de motivos fosfénicos  y otros fenómenos entópicos, poseyendo patrones parecidos a un caleidoscopio o inspirados en los diseños persas.
Se puede considerar arte psicodélico el que intenta reflejar estados alterados de conciencia, usualmente producidos por el uso de substancias psicodélicas, o el que está influido estéticamente por éstos. Así pues, habría que tomar en cuenta el uso de substancias psicodélicas, como hongos alucinógenos, peyote o ayahuasca, por parte de múltiples culturas alrededor del mundo.
Más claramente, se dieron casos en los movimientos modernistas del arte en los que algunos artistas usaban drogas psicodélicas como fuente de inspiración. Un claro antecesor del arte psicodélico fue el movimiento surrealista en su intento de reflejar y crear imágenes y experiencias fantásticas y alucinatorias. Así, también los surrealistas cultivaron una especial atención a los sueños inspirados en el psicoanálisis freudiano.
Específicamente, está el caso del pionero del automatismo, el francés André Masson, el cual a veces trabajaba sometido al influjo de drogas alucinógenas.





La escuela de atenas


A continuación os dejjo colgado un video que hace un analisis muy exaustivo de lo que es  la composición del cuadro en el que se exlica de forma muy eficaz lo que representa cada uno de sis elementos, mejor que con uan descrición escrita.



“La tentación de San Antonio” Dalí 1946 Bruselas en el Musée Royaux des Beaux-Arts


Oleo sobre lienzo
Como todos los cuadros o la mayoría de los cuadros de Dalí es de una interpretación bastante difusa y compleja, cargada de alegorías.
Discurso comienza a los pies del mendigo y viaja por la cruz a través de su mano hasta lo que son las tentaciones  en si.
Composición: dos masas enfrentadas , la perspectiva da mayor tamaño a San Antonio objetivamente aunque a nivel de interpretación el conjunto de las tentaciones es mucho mas voluminoso. Las tentaciones representadas son el triunfo, el oro, el sexo y la riqueza.
Es también bastante importante el juego que se hace mediante la luz , centrada en las tentación y el desdibujamiento del fondo con las nubes; focalizando así la atención sobre las tentaciones una vez más, dándoles más poder que a la figura del ser humano, desnuda e indefensa, parece que quiera expresar a lo que inevitablemente estamos abocados.

“El matrimonio Arnoldfinny” Van Eyck


A continuación le presentamos en este video un análisis bastante bueno de la obra.
Característico de los primitivos flamencos la gran cotidianeidad de los detalles y las alegorías como es el perro que hay a los pies de ella, símbolo de sumisión, los melocotones que se encuentran detrás de él, la lámpara y el espejo, símbolos todos ellos de una tremenda opulencia, a la que no todo el mundo podía acceder. 
Por último después de la exlicación de vídeo y esta aclaración resaltar que el naturalismo está muy presente en el cuadro, en el que la mujer representa el canon de belleza de la época (no está embarazada como se piensa a primera vista) y sobre todo con ambos ataviados al huso.


“El mundo de Christine” de Andrew Wye


Técnica: Témperas pigmentos muy densos nitidez de contornos. Trazos extremadamente limpios,resultado muy realista, gran contraste del color de la hierba con el vestido de la chica, lo que hace que centremos nuestra atención en ella. El discurso del cuadro comienza en la mano de la chica atravesando el campo y conduciendo nuestra mirada en dirección a la suya.
La composición poco compleja haciendo una distribución uniforme de la luz.
Cuadro que habla del ser humano y de sus temores la chica paralítica vecina del pintor está tendida sobre la hierba tratando de arrastrarse hasta la casa, que se representa alegóricamente al fondo, lejana. Ella solia desplazarse asi , lo que le impactó al pintor, eso era lo más lejos que ella jamás llegaría desde la casa.
También es destacable los cuervos sobrevolando la casa como las miserias que sobrevuelan al hombre y el raquitismo que simboliza la debilidad de la chica.

Un arte africano más moderno...

Pero no todo son pinturas antiguas, el arte africano también es moderno.

Uno de los muchos pintores de este tipo es Keith Mallet, pintor nacido en Pennsylvania y estudió en Nueva York. Ha trabajado como artista independiente y durante quince años fue artista de primera línea para editores de arte.




Otro artista de la pintura africana es Michael Rauscher, os dejo algunas de sus creaciones para que podáis deleitaros.




Arte primitivo africano


Como podemos observar, las pinturas africanas nacen de las pinturas prehistóricas. Se aprecia que lo que representan son a los hombres cazando y las mujeres portando alimento y agua en los cestos que llevan en las cabezas.




El arte africano



He elegido el arte africano porque pienso que no deja indiferente a nadie, por ser tan distinto al europeo, tan terrenal y la mezcla de los colores cálidos hace que por un momento te desplaces a los desiertos campos africanos.



Al haber recurrido al arte africano como medio de inspiración y experimentación de diferentes formas de expresión, los movimientos de arte europeos modernos como el cubismo y el expresionismo, ayudaron, sin pretenderlo, a crear un mayor interés por esas artes antes descoocidas. El carácter abstracto del arte africano inspiró a pintores modernos como Pablo Picasso y Henry Moore. Picasso, que negó al principio esta relación, después admitió la gran influencia que el arte africano tenía en una parte importante de su obra. Artistas americanos como Meta Warrick Fuller y Martin Puryear se inspiraron en creaciones del arte tradicional centroafricano, y el americano Renée Stout, en 1990 presentaba su exposición de esculturas basadas en figuras creadas por el pueblo Kongo.


En general, la pintura, hasta mediados del siglo XX, había tenido un carácter accesorio, utilizándose para la decoración de máscaras y esculturas. sin que sirviera para la creación artística de manera autónoma. Es, fundamentalmente, tras la independencia de los paises cuando surgen diversas escuelas (Poto-Poto en Brazzaville, el movimiento Set Setal en Senegal, Lubumbashi, Dakar, Maputo, Harare, Rorke’s Drift en Suráfrica, Oshogbo en Nigéria, Cyrene en Bulawayo, Zimbabwe, etc.) de donde irán saliendo la mayoría de los artistas renombrados de la actualidad.


A finales de los años 30 del pasado siglo XX, llegaron a Europa a cursar sus estudios de arte los primeros africanos subsaharianos. Tal vez,  el ghanés Oku Ampofo fue el primero de ellos, que fue a Inglaterra para estudiar medicina y, en 1932, comenzó sus estudios de arte. Muchos otros llegarían después, como Iba Ndiaye (Sénégal), en 1948, Gerard Sekoto (Sudáfrica) en 1947, Afewerk Tekle (Etiopia) en 1948, Kofi Antubam (Ghana) en 1946, Ben Enwonwu (Nigéria) en 1944 y Viteix (Angola) en 1953.


Cuando Faidherbe, gobernador de Senegal en el s.XIX, prohibió toda actividad de proselitismo al dirigente musulmán Cheikh Amadou Bamba, no sabía que estaba ayudando al nacimiento de un movimiento pictórico original que perdura en la actualidad. Efectivamente, sus adeptos, para soslayar la prohibición, comenzaron a transmitir su mensaje, su exilio o sus milagros a través de pinturas hechas sobre vidrios recuperados. Aquella técnica se fue transmitiendo y , hoy, podemos ver estas pinturas sobre vidrio retratando desde escenas de la vida cotidiana, a la devaluación del Franco CFA.


En cada pais, las tendencias en la pintura van pasando por periodos de nacionalismo, etnicismo, o apegados al momento político por el que pasa el pais. Así, hasta la caida del apartheid en Sudáfrica, los artistas de los paises de la llamada Linea del Frente (Sudáfrica, Angola, Zimbabwe, Mozambique y Zambia) no pueden evitar ser transmisores de la lucha política que en ese momento mantenían sus paises contra el racismo del gobierno sudafricano.
En Botswana, en 1990, se crea en la misión D'Kar, el Proyecto Cultural Kuru que con la finalidad de buscar salidas económocas a grupos Khoisan inicia un taller de pintura. Trabajan sobre telas y tableros y, salen del taller creaciones innovadoras que recuerdan las pinturas rupestres que sus antepasados han realizado durante miles de años.   Cuatro de estos artistas San--dos hombres y dos mujeres--han logrado que el Museo Nacional de Arte en Gaborone adquieran y exiban parte de su obra.


A pesar de la influencia que los primeros pintores africanos educados en europa ejercerán sobre las generaciones siguientes, ninguno de ellos crea escuela y puede decirse que ateniéndose a los cánones técnicos y temáticos europeos no trasmitieron una continuidad con las formas de expresión de sus lugares de origen. Esta situación comienza a cambiar después de la segunda guerra mundial, cuando artistas europeos, generalmente surrealistas, creen que es posible enseñar las técnicas pictóricas sin alterar en nada la forma de expresión de los alumnos.


A partir de aquí comenzarán a surgir estilos nuevos en los pintores africanos, en su mayoría considerados como expresionistas. Estos estilos se manifiestan incluso en la llamada pintura neotradicional, correspondiente con los movimientos de la "negritud" anteriores o posteriores a la independencia de los paises africanos. Los estilos expresionistas tienen relaciones formales estrechas con un arte africano antiguo, en particular en la escultura, ya que el expresionismo europeo han asimilado profundamente las influencias fundamentales de Africa en materia de volumen, de estilización y en los cánones de proporciones (la "distorsión sistemática"). El arte abstracto tiene sus raices africanas en la decoración geométrica o en las artes islámicas.
Las escuelas de Lubumbashi, Potopoto y Dakar han producido obras muy decorativas en tonos ocres o de colores muy vivos siguiendo los cánones cloniales sobre lo que debe ser el arte popular. Cada escuela tenía normalmente varios estilos pero todos respondían a características similares. Siendo la produccuión comprada por los europeos, la frontera entre el arte por el arte y el arte para los turistas quedaba establecida.


En Mozambique, en Harare y sobre todo en Nigéria, la evolución fue muy diferente. El primer pintor mozambiqueño, Valmente Malangatana, influenciado por la escuela revolucionaria del fresco mejicano, ha producido un arte de formas totalmente diferentes. Dominan en él, escenas dramáticas, imágenes de brutalidad y de angustia, siendo éstas una temática común a la mayría de los artistas del Africa austral. Sus preocupaciones sociales y su predilección por la pintura mural han quedado como señales distintivas del arte de Maputo. En Harare, la esculptura está muy próxima del expresionismo alemán (en particular Barlach) y a penas si ha evolucionado desde 1961.


El taller de Oshogbo ha producido estilos y artistas de una diversidad espectacular qui están siempre muy activos y trabajan para una clientela de expatriados o para empresas públicas de su pais. Los temas predominantes son de carácter fantástico, tratados en estilos surrrealistas locales con cualidades decorativas, mezclando a veces materiales diversos. La mayoría son pintores. Hay pocos escultores, lo que es sorprendente si se tiene en cuenta la gran tradición escultórica yoruba.

EL ARTE EGIPCIO


El arte egipcio es, sin duda, la manifestación artística que más le ha atraído al hombre moderno. Está muy relacionado con el medio en el que se desarrolla, no dejando entrar ninguna influencia exterior pero sí que van evolucionando poco a poco.

Las características generales son: primero es una arte exclusivo para la Iglesia y el Estado (en
Egipto ambas cosas son lo mismo). Ellos son los únicos clientes y los que marcan todo el estilo
general. El artista es un ejecutor anónimo, es un artesano que cumple unas normas preestablecidas, no es un creador. En el arte egipcio no se estima la originalidad sino la precisión con la que el artista realiza los encargos y la solidez de éstos.

En esta foto, podemos ver una pintura egipcia en la que se representa a Anubis, el Señor de la necrópolis, la ciudad de los muertos, el encargado de guiar el espíritu de los muertos al otro mundo. 
      
                                                             

En esta última imagen vemos una pintura de la tumba de Nefertari, reina egipcia de la dinastía XIX, y esposa real de Ramsés II.

miércoles, 1 de diciembre de 2010

probando, 1 2 , probando, se escucha?

Primera entrada del primer blog...

Poco mas que decir que explicar que todo lo que vais a leer a continuación es sobre artes plásticas, más concretamente pintura. Desde el mundo clásico hasta los lienzos más modernos del paisaje urbano.

Cuatro personas sumamente expertas en arte que por casualidades de la vida se encuentran en segundo de pedagogía.

Esperamos que suban bastante las visitas antes del viernes en clase.